Примеры графического дизайна со всего мира: как национальность отражается в художественных работах. Лучшие дизайны по версии пользователей Behance

Графический дизайн преображается от культуры к культуре, под влиянием национальных культурных традиций, истории и способа жизни. Точно так же, как в музыке и искусстве, эстетика графического дизайна отличается от культуры к культуре.

Латиноамериканский графический дизайн показывает любовь латиноамериканцев к вечеринкам и праздникам. Латиноамериканские графические дизайнеры не связаны предрассудками, когда дело доходит до использования ярких цветов и контрастных элементов.

Используется и минимализм, но в основном в веб-дизайне - и это не такой "минимализм", как у других. Мир может многому научиться у латиноамериканцев; например, как относиться к жизни не слишком серьезно и получать удовольствие. Они учат нас воспринимать дизайн не только визуально, но всеми шестью чувствами.

Китай

Китай - одна из древнейших цивилизаций, насчитывающая как минимум 4000 лет. Во времена своего расцвета Китай был одним из самых развитых обществ в мире, но из-за развития империализма и гражданских войн начался его упадок. Тем не менее, Китай имеет пышную художественную, литературную и культурную историю.

Китайский графический дизайн довольно новый, по сравнению с западным. Совсем недавно, в 1979 году, Китай вновь открыл свои двери миру, приветствуя новые идеи и последние технологии. Страна совершает медленное, но уверенное движение в сторону демократических взглядов, относясь либеральнее к новым идеям, в частности, в искусстве и дизайне.

Китай хлынул с творческой энергией и ярко выраженным национализмом (если не некоторой нелюбовью к иностранцам), так что не удивительно, что современный графический дизайн до сих пор использует те изобразительные элементы, которые можно найти в традиционном китайском искусстве.

Графический дизайн в Китае использовался как эффективное средство неофициального политического волеизъявления. Это было средство самоидентификации и самовыражения.

Замечательный Китайский Веб-дизайн

В китайском веб-дизайне увлекаются флэшем. Веб-сайты из Китая очень интерактивны и игривы. Некоторые элементы в графическом дизайне скопированы из других культур. В последнее десятилетие, китайский графический дизайн находится под большим влиянием запада, но все еще сохраняет собственную китайскую энергию и душу. Например, в дизайне используются символы фэн-шуя, каллиграфии, культурных фестивалей и т. д.

Япония

Японское современное искусство имеет много форм: архитектура, реклама, видеоигры, аниме и графический дизайн. Японское влияние в искусстве огромное, благодаря чему вносится множество идей в графический дизайн и современное искусство в целом. Японский графический дизайн урбанистический и оригинальный. Он демонстрирует краски, близкие к неоновым, имитируя огни, которые мы видим ночью в деловой части Токио.

Японский графический дизайн испытывает огромное влияние японского традиционного искусства и манги.

Блестящий Японский Веб-дизайн

Японский графический дизайн интересен потому, что принципиально отличается от того, к чему мы привыкли на западе. Он очень разнообразен, с примесью старого и нового. С одной стороны, он прилизан, футуристичен и очень минималистичен. С другой, супер симпатичный, детский и эксцентричный.

Ближний Восток

Ближний Восток представляется на Западе как таинственный, очаровывающий и мистический; это земля песков, ковров-самолетов и волшебных ламп, образ, который большинство из нас посещали только в наших мечтах. Ближний Восток парадоксален - эта культура обогащена одним из самых древнейших и наиболее обширных изобразительных искусств в истории, которое насчитывает тысячи лет.

Однако графический дизайн на Ближнем Востоке довольно молод. Продолжается борьба за арабский мир: здесь свободный художник - не лучший способ зарабатывать себе на жизнь, правительство не слишком оказывает поддержку, и в регионе есть всего несколько школ графического дизайна.

Ближневосточный графический дизайн настолько очарователен, насколько и мистичен. Присутствует сильное влияние старой каллиграфии и арабской вязи, копирование форм и образцов.

Ближний Восток медленно открывается для западной культуры "потребительского общества". Арабы любят свое золото - и эту привязанность можно ясно последить в дизайне.

Как и весь остальной мир, мир Ближнего Востока поражен вирусом минимализма, но до сих пор сохраняет ближневосточную атмосферу, с которой мы все знакомы.

Роскошный Ближневосточный Веб-дизайн

Ближневосточный дизайн богат цветами и культурой. Подобно другим азиатским странам, Ближний Восток упивается собой в красивых символах и каллиграфии. В некоторых сферах этот регион остается консервативным по многим вопросам.

Например, им нужно открыть себя для идей фрилансинга, графических дизайнеров-женщин и т. д. Однако этот регион - жаркое из новых и смешанных идей. Они приспособили много западных идей в дизайне, но сохранили уникальность, которая делает их отличными от других.

Нидерланды

Нидерланды - страна, разговаривающая на голландском языке, расположенная на северо-западе Европы, ограниченная Бельгией с юга и Германией с востока. Нидерланды - крошечная страна, но она является родиной величайших мастеров в истории: Рембрандта, Ван Гога, Ван Эйка, Мондриана и Ван Дойсберга.

Голландский графический дизайн стремится к индивидуализму, если не анархизму. В нем предпочитают чистые, минималистические решения - все же именно здесь зародилось движение "Де Сейль", предшествовавшее минимализму. Голландцы тяготеют к концептуальному искусству и современным темам. Ценится простота, и "недизайн" - это общая дизайнерская стратегия.

Голландские дизайнеры часто рисуют концептуально. Один из моих любимцев - молодой голландский графический дизайнер Виктор Ван Гаасбек, работы которого типично голландские, современные, но с использованием натуральных и природных элементов.

Грандиозный Голландский Веб-дизайн

Нидерланды и соседние с ними страны создают тенденции, когда дело доходит до графики и веб-дизайна. Их искусство совершенно, концептуально и шикарно. Это не значит, что оно насквозь серьезно и подвержено минимализму - голландский дизайн может быть игривым.

Возможно, из-за серьезной финансовой поддержки искусства со стороны правительства, или благодаря развитой экономике страны, или возможно, тяге местных жителей к искусству, голландский графический дизайн входит в число самых передовых в мире.

Заключение

Так как у разных культур разное прошлое и настоящее, мы имеем разный опыт, убеждения и нравы. Мы видим мир немного под разным углом. Графические дизайнеры во всем мире обладают своими собственными подходами к искусству. Несмотря на это, одно утверждение остается бесспорным: хороший дизайн всегда будет хорошим дизайном.

Даже если мы не понимаем смысла, символов и каллиграфии, которые используются, мы можем отличить хороший дизайн от плохого. Понимание искусства существует вне культурных и географических границ; и это больше, чем сумма наших культуры и убеждений. Понимание дизайна - интернациональное и универсальное чувство, которое ощущают все, вне зависимости от цвета кожи или национальности.

Это нормально смотреть на блестящие работы выдающихся графических дизайнеров, и хотеть создавать что-то похожее. Или даже хотеть быть, как эти мастера своего дела. Именно это вдохновение направило многих специалистов в область графического дизайна. Хотя, конечно, некоторых оно ведет в никуда. И все же, у других, оно раскрывает истинную страсть к дизайну и иногда это позволяет оказаться блестящему дизайнеру в центре внимания.

Увы, далеко не каждый, даже самый талантливый дизайнер способен стать выдающимся и заслужить признание. Существует ряд факторов, которые помогают достигнуть вершины. В этой статей мы рассмотрим список вещей, которые помогут вам добиться величия и определенного статуса в мире графического дизайна. К тому же они станут хорошей отправной точкой для вас.

ТЕОРИЯ

Графический дизайн во многом носит чисто субъективный характер, поэтому вряд ли вы найдете хотя бы одну дизайнерскую работу, которая бы нравилась абсолютно каждому. Люди любят разные вещи и это нормально! Существуют, однако, общепринятые теории в графическом дизайне; идеи, которые формулируют суть сильной дизайнерской работы. Они помогают в том, чтобы определить, какой графический дизайн хороший, а какой нет. Кроме того, эти теории расширяют способности дизайнера.

То, что объединяет всех знаменитых графических дизайнеров – каждый из них имел непосредственно отношение к формированию существующих теорий дизайна, и это можно отчетливо увидеть в их работах. Один из ярких примеров Йозеф Мюллер-Брокман – автор публикации «Модульные сетки в графическом дизайне». В ней заложена теория и основа использования модульной сетки, на которые многие дизайнеры будут ссылаться еще долгие годы.

ТЕХНИЧЕСКИЕ НАВЫКИ

Технические навыки помогают графическому дизайнеру притворить свои идеи в жизнь. И тут необходимы как руки, так и ум. В плане рук имеется в виду умение использовать инструменты, такие как карандаш или трекпад. Что же касается умственно навыков, то тут речь идет о математических операциях, измерениях или регулировки цвета.

Все выдающиеся графические дизайнеры обладают высокой степенью технического мастерства, по крайней мере, в одной из областей графического дизайна. И это, пожалуй, лучше всех проиллюстрировал Ян Чихольд. Он обладал некой одержимостью оформлением и внешним видом книг, что обусловлено его беспрецедентным техническим мастерством.

На изображении выше вы можете увидеть пример его точных требований к пропорциям для Penguin Branding Handbook.

ИНТУИЦИЯ

Пожалуй, это тот самый фактор, который можно назвать «особенным». Кто-то обладает интуицией, а кто-то нет. Эта особенность исходит из необузданного любопытства в дизайне, и выходит за рамки просто зарабатывания денег, а также построения карьеры. Это именно то, когда восприятие истин дизайна, в некотором роде зависит от процесса рассуждений. Решения, которые принимает дизайнер, основываются не только на теории или формальности, но и на творческом вдохновении с самовыражением.

Интуиция является качеством, которым обладают все великие дизайнеры, и ее всегда можно увидеть в работах графического дизайнера Сола Басса, которые вы можете увидеть выше. Сила дизайна в них более интуитивная и эмоциональная, нежели интеллектуальная. Однако владение только теорией и техническими навыками не сможет вывести вас на один уровень с Бассом. Необходимо научиться доверять своей интуиции, и даже быть готовым к тому, чтобы стать творчески непроизвольным.

РЕСУРСЫ

Без технического оборудования в графическом дизайне – никуда. В некоторых сферах к нему относятся различные инструменты для печати, бумага, ножницы, линейки и прочее. Что же касается цифрового мира, то тут никак не обойтись без компьютеров, специальных планшетов, программного обеспечения, библиотек с текстурами, шрифтами и шаблонами. Без всего этого, дизайнер является не больше, чем сосуд с набором мыслей, идей и чувств.

Отличный пример работы с оборудованием – проект Дэвида Карсона для издания Ray Gun, к которому он нашел свой необычный подход. Он резал, менял цвет, послойно наносил буквы и изображения, а его верстка больше напоминала живописные холсты. Именно наличие ресурсов помогло Карсону стать тем, кем он является на сегодняшний день – легендой графического дизайна.

ЛИЧНОСТЬ

В мире графического дизайна существуют всего несколько мастеров, чьи работы настолько индивидуальны, что их можно узнать из тысячи. Поскольку люди ищут индивидуальность, характер и жизненную силу, то признание к дизайнеру в основном вызвано том, что его индивидуальность находит отражение в его работах.

Личность Пола Рэнда и его проекты всегда были чем-то единым. Его цветовые палитры, игривые, но в тоже время серьезные чувствительные и несовершенные формы говорили о том, каким он был как личность. Вероятно, именно это сыграла важную роль в том, что его любили не только люди из круга дизайнеров, но и те, кто находился за его пределами.

РЕВОЛЮЦИОННОСТЬ

Когда человек спрашивает: что является нормальным; меняет то, что казалось знакомым и изобретает новые концепции – он привлекает к себе внимание общества. Согласитесь, что наблюдение за тем, как человек одновременно разрушает и создает что-то, может стать весьма завораживающим процессом.

Наверное, все существовавшие и живущие сегодня великие дизайнеры были в своем роде революционерами, которые не играли по правилам. Один из них Брэдбери Томпсон. В те времена, когда CMYK был строго частью печатной продукции, он использовал его в качестве одной из частей творческого процесса. Отказавшись от использования этих цветов для точного воспроизведения изображений или оттенков конкретного цвета, он увидел их как четыре определенных цвета на палитре. Его открытие актуально по сей день, и многие дизайнеры успешно им пользуются.

В ЗАКЛЮЧЕНИИ…

Конечно же, необходимая черта любого великого графического дизайнера – это талант. Но является ли слава столь важным компонентом величия? Вполне возможно это всего лишь собственное эго, существующее отдельно от самой сути дизайна. Может сегодня вполне достаточно быть просто талантливым графическим дизайнером?

Если Вы ищете вдохновения, то мы предлагаем Вам просмотреть работы и понять философию известных дизайнеров - они талантливы, мудры и с них берут пример неспроста! В этой статье мы собрали 17 цитат самых знаменитых дизайнеров нашего времени.

1. Милтон Глэзер (Milton Glaser)

«Есть три ответа на результат дизайна - да, нет и НИЧЕГО СЕБЕ! «Ничего себе» - это то, к чему надо стремиться».

2. Пол Рэнд (Paul Rand)

Общество знакомо с плохим дизайном лучше, чем с хорошим. Именно из-за этого люди предпочитают плохой дизайн хорошему. Они слишком сильно сжились с тем, что есть. Всё новое начинает пугать, а старое их утешает.

3. Стефан Загмайстер (Stefan Sagmeister)

«У вас может быть арт-опыт на фоне Рембранта… или на фоне частицы графического дизайна».

4. Дэвид Карсон (David Carson)

«Мир, скорее, спасет графический дизайн, а не рок-н-ролл».

5. Боб Джилл (Bob Gill)

«У меня никогда не было проблем с плохими клиентами. Нет такого понятия «плохой клиент». Частью нашей работы является выполнение этой работы хорошо, и заставить клиента принять ее».

6. Паула Шер (Paula Scher)

«Именно через ошибки мы можем расти. Вы должны бать плохими для того, чтобы стать хорошими».

«Если Вы сделаете хорошую работу для хороших клиентов, то это приведет к следующей хорошей работе для других хороших клиентов. А если Вы сделаете плохую работу для плохих клиентов, то это, в свою очередь, приведет к другой плохой работе для других плохих клиентов».

8. Антуан де Сент-Экзюпери (Antoine de Saint-Exupéry)

«Дизайнер понимает, что достиг совершенства не тогда, когда ему нечего добавить, а тогда, когда нечего убрать».

9. Чип Кид (Chip Kidd)

«Никогда не влюбляйтесь в идею. Идея часто изменяет. Если та идея, которую Вы вынашиваете, не работает, всегда, всегда, всегда есть другая.

10. Мэриан Бэнтджес (Marian Bantjes)

«Я обнаружила для себя, что, чем больше я стараюсь относиться к работе так, как будто я делаю ее для себя, как к чему-то личному, тем более успешной она получается. Без исключений».

11. Невилл Броуди (Neville Brody)

«Цифровой дизайн похож на живопись, только краски никогда не сохнут».

12. Джошуа Брюэр (Joshua Brewer)

«Сократ говорил «Познай себя». А я говорю «Познай своих пользователей». И знаете что? Они не думают, так же как и Вы».

13. Сол Басс (Saul Bass)

«Я хочу создавать красивые вещи, даже если это никому не нужно, в качестве противостояния некрасивым вещам. Это - мое намерение”.

14. Франк Чимеро (Frank Chimero)

«Хороший дизайн - это когда, Вы заставляете других дизайнеров чувствовать себя идиотами, потому что эта идея не им в голову».

15. Линдон Лидер (Lindon Leader)

Не поленитесь и поздравьте 9 сентября с профессиональным праздником знакомых вам дизайнеров-графиков. Тем более в этом году у них маленький юбилей: вот уже десять лет, как они отмечают свой День! Кто они такие и почему празднуют именно в начале осени - в нашем материале.

Графический дизайн вовсе не узконаправленная специальность, как можно было подумать. Результаты работы дизайнеров-графиков сопровождают нас абсолютно везде: оформление книг и журналов, рекламные баннеры и плакаты, указатели на улицах и навигация в аэропортах. Даже если нужно придумать шрифт, логотип или упаковку, следует обращаться именно к ним.

Графический дизайн - это итог слияния коммерческого искусства (афиши, плакаты, баннеры) и современного изобразительного искусства рубежа XIX–XX вв. Одни из самых известных и успешных дизайнеров-графиков: Алан Флетчер - создатель логотипа Reuters и Музея Виктории и Альберта, Джим Паркинсон известен работой с Newsweek, Rolling Stones, Washington Post, Милтон Глейзер и его «I Love New York», швейцарец Армин Хофманн и рекламный постер к балету «Жизель» и др.

День графического дизайнера в России и странах СНГ был учрежден в 2005 г. в день 50-летия известного российского дизайнера-графика В. Б. Чайки (9 сентября). Владимир Борисович - признанный мастер международного уровня, первым был удостоен премии РФ в области искусства и литературы. Он является членом Союза дизайнеров России, Союза художников России, международных ассоциаций Brno Biennale и AGI (Alliance Graphigue Internationale). Его работы не раз оказывались лучшими на различных выставках и фестивалях (в Хельсинки, Москве, Брно, Варшаве, Загребе, Харькове). Чайка известен, прежде всего, своими плакатами. Каждый год во многих странах проходят выставки его работ, а некоторые даже находятся в коллекциях различных музеев .

Несмотря на то что отечественные вузы уступают по уровню зарубежным, у нас есть большое количество дизайнеров, которые самостоятельно освоили профессию и сейчас успешно работают не только в России. Этого вполне реально добиться при большом желании и огромном количестве ресурсов в интернете, посвященных дизайну и облегчению работы специалистов. Например, есть специальные площадки, на которых можно искать вдохновение и делиться опытом (Dribble, Behance, Marvel); сайты с подбором цветов и шрифтов (Material Palette, TypeGenius, FontFaceNinja); форумы и уроки (Дежурка, Design Mama) и, конечно же, фотобанки, где дизайнеры не только могут продавать свои работы, но и покупать другие для создания новых проектов (PressFoto).

Коллектив PressFoto поздравляет дизайнеров-графиков с профессиональным праздником и желает больше ярких и интересных идей, новых перспективных проектов!

Милтон Глейзер в 1974-м году. Фото: © Cosmos Sarchiapone

Несмотря на преклонный возраст, Милтон Глейзер (Milton Glaser) до сих пор продолжает заниматься творчеством. Именно он подарил миру журнал New York Magazine , знаменитый психоделический постер с изображением Боба Дилана , фирменный стиль Бруклинского пивоваренного завода Brooklyn Brewery и, конечно же, бессменный символ Нью-Йорка - логотип I love New York.

Сейчас Милтону Глейзеру за восемьдесят, он живет на Манхеттене и, хотя многие в этом возрасте уже уходят на пенсию, он руководит своей студией дизайна, в которой кипит работа. Как и много лет назад, он продолжает рисовать постеры, создавать логотипы и разрабатывать фирменные стили. Помимо практики, Глейзер занимается и теорией: читает лекции в университетах, пишет эссе и теоретические рассуждения о связи дизайна и искусства и их влиянии друг на друга, о профессии дизайнера и сложностях творческого процесса.

Логотип был создан в 1977-м году.

Детство и обучение

Милтон Глейзер родился 26 июня 1929 года в Нью-Йорке в еврейской семье с венгерскими корнями. Когда Милтону было пять лет, его двоюродный брат нарисовал у него на глазах лошадь - именно тогда Глейзер понял всю силу графического искусства. Он впервые увидел, как кто-то рисует нечто действительно существующее. Он подумал, что можно создать целый мир простым движением карандаша. Это восторженное чувство не покидает его всю жизнь.

В семнадцать лет Глейзер утвердился в желании стать художником. Именно тогда он понял, что подлинная цель искусства - делать нас внимательными; искусство помогает нам выжить. В интервью Smashing Magazine Глейзер рассказал, что сидел тогда за кухонным столом и вдруг решил нарисовать портрет матери. В тот момент он осознал, что не знает, как она выглядит. Только когда он решил нарисовать мать, его заинтересовала ее внешность.

Глейзер учился в Манхэттенской школе музыки и искусств (Manhattan"s High School of Music and Art), затем в 1951-м году закончил частный нью-йоркский Колледж Купер-Юнион (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art). Огромное влияние на его образование и на дальнейшее творчество оказала возможность пожить в другой стране, а именно в Италии. После окончания колледжа Глейзер поступил в Академию изящных искусств города Болонья (Accademia di Belle Arti di Bologna) по программе Фулбрайта (Fulbright Scholarship): там он учился в классе итальянского живописца Джорджо Моранди (Giorgio Morandi).

Push Pin Studios

В 1954-м году Глейзер вместе с друзьями по колледжу Рейнольдом Раффинсом (Reyonld Ruffins), Сеймором Чвастом (Seymour Chwast) и Эдвардом Сорелом (Edward Sorel) основал студию дизайна Push Pin Studios. Идея создать свою компанию возникла у Сорела и Чваста после того, как их в один и тот же день уволили из журнала Esquire. На последние деньги они сняли темное и сырое помещение на 17-й Восточной улице Манхеттена. Через несколько месяцев Глейзер вернулся из Италии и присоединился к студии. В течении двадцати лет Глейзер и Сеймор руководили мастерской, которая оказала огромное влияние на развитие графического дизайна по всему миру.

Кульминационным моментом для Push Pin Studios стала выставка The Push Pin Style в Лувре: в 1970-1972 годах, помимо Парижа, она побывала в других городах Европы, Бразилии и Японии.

Push Pin Studios существует до сих пор, только сейчас ее единственным директором является Сеймор Чваст.

В 1967-м году Милтон Глейзер, работая в Push Pin Studios, создает психоделический портрет Боба Дилана, который позже был использован для оформления сборника лучших хитов певца.

New York Magazine

В 1968-м году Глейзер вместе с Клеем Фелкером (Clay Felker) создал журнал New York Magazine . Глейзер был президентом компании и дизайн-директором до 1977-го года. Изначально журнал создавался как некая альтернатива уже существовавшему The New Yorker . Он оказался нахальным и прямолинейным и стал частью так называемой Новой журналистики - течения в американской журналистике 1960-1970-х годов. Это издание стало иконой городского журнала и породило целую череду имитаций.

В течение шести или семи лет Глейзер вместе с Джеромом Шнайдером (Jerome Snyder) сочиняли «Подпольного гурмана» (The Underground Gourmet) - путеводитель по дешевым ресторанам Нью-Йорка. Изначально это была всего лишь колонка в New York Magazine. Всем было интересно, где можно дешево и вкусно поесть, поэтому колонка стала настолько популярной, что пришлось выпустить целую книгу.

Уолтер Бернард и Милтон Глейзер

WBMG

В 1983-м году Глейзер вместе с Уолтером Бернардом (Walter Bernard) основал WBMG. Это была небольшая дизайн-фирма, занимающаяся издательской деятельностью. За время своего существования они сделали дизайн для более чем пятидесяти журналов, газет и других периодических изданий по всему миру, а также обновили дизайн таких известных газет, как американская The Washington Post , каталонская La Vanguardia и бразильская O Globo .

Milton Glaser, Inc. Искусство - это работа

В 1974-м году Глейзер основал на Манхеттене свою собственную студию Milton Glaser, Inc. , которая функционирует и по сей день. Помимо самого Глейзера, в студии работает еще два дизайнера: Сью Уолш (Sue Walsh) и Джиин Ли (Jee-eun Lee). Деятельность фирмы затрагивает практически все области дизайна - от создания логотипов до оформления интерьеров. В сфере печатной графики студия занимается разработкой фирменного стиля, который включает в себя логотипы, бланки, брошюры, вывески и годовые отчеты. В области дизайна интерьера и среды они разрабатывают концепции и руководят созданием различных товаров, интерьеров и экстерьеров ресторанов, торговых центров, отелей и других торговых и коммерческих пространств.

© Милтон Глейзер
Логотип Бруклиского пивоваренного завода. © Милтон Глейзер
Логотип журнала New York. © Милтон Глейзер
Логотип компании Seed. © Милтон Глейзер
Логотип звукозаписывающей компании Tomato Records. © Милтон Глейзер, 1978
Логотип Angels in America. © Милтон Глейзер
Логотип DC Comics . © Милтон Глейзер, 1977
Логотип театра Школы визуальных искусств. © Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер

«Создание логотипа - одно из скучнейших занятий для дизайнера. Есть масса более интересных вещей.» Милтона Глейзера называют самым плодовитым дизайнером по части логотипов. Действительно, мало кому удавалось нарисовать столько запоминающихся знаков. «Рассказывать о логотипах очень скучно, - говорит американец в интервью Smashing Magazine. - Вы же знаете, почему о них все говорят: они приносят деньги.»

Самый копируемый логотип в мире

Безусловно, самым знаменитым логотипом Глейзера считается I love New York, который он создал в середине 1970-х годов для рекламной кампании по развитию туризма в Нью-Йорке. Логотип состоит из заглавной буквы I, красного символа сердца и заглавных букв NY - аббревиатуры Нью-Йорка. Буквы набраны рубленным шрифтом с засечками American Typewriter .

Оригинал наброска логотипа

В 1977-м году Департамент штата Нью-Йорк по торговле обратился в рекламное агентство Wells Rich Greene с просьбой разработать маркетинговую кампанию для штата Нью-Йорк. Милтона Глейзера также привлекли к работе над проектом. Интересно, что Глейзер нарисовал I love NY на общественных началах (т. е. бесплатно), думая, что кампания продлится всего пару месяцев и бесследно исчезнет. Но эта эмблема стала настолько популярной, что ее начали использовать повсеместно, и многие называют I love NY самым удачным логотипом в истории графического дизайна.

Особое значение логотип приобрел после событий 11-го сентября, породив дух единения и взаимопомощи среди жителей города. Многие гости города носили футболки I love New York чтобы выразить поддержку всем пострадавшим во время теракта.

Через несколько дней после событий 11-го сентября Глейзер проснулся и понял, что его логотип уже не то, что нужно жителям города. Его чувства к городу изменились и логотип тоже должен был поменяться. Так появилась новая версия логотипа со словами I love NY More Than Ever («Я люблю Нью-Йорк больше, чем когда-либо» ) с небольшим черным пятном на красном сердце. Положение этого почерневшего участка не случайно: оно обозначает место на карте Нью-Йорка, в котором располагался Всемирный торговый центр.

Глейзер обратился за помощью в создании новой версии логотипа в Школу визуального искусства. Он позвонил своему другу Силасу Родсу (Silas Rhodes) и сказал, что у него есть идея: он хочет напечатать плакаты и расклеить их в метро. В итоге напечатали пять тысяч постеров, которые студенты расклеили по всему городу. Таким образом, практически из каждого окна в городе можно было увидеть этот постер, который еще больше сплотил жителей.

Логотип стал иконой поп-культуры и до сих пор используется повсеместно, начиная от кружек и футболок с нью-йоркской символикой и заканчивая огромными баннерами. Нью-Йорк пытается сохранить авторские права на логотип, но по данным 2005-го года было зарегистрировано около трех тысяч фактов имитации.

Глейзер так рассказывает о том, как он создавал набросок логотипа на заднем сиденье нью-йоркского такси: «Я был взбудоражен. В моей идее присутствовало чувство неизбежности. Форма и содержание были объединены настолько, что невозможно было отделить одно от другого.» Глейзер до сих пор не понимает, почему этот логотип стал настолько популярным не только в Нью-Йорке, но и во всем мире.

Дизайн как искусство

Работы Милтона Глейзера участвовали во множестве выставок по всему миру, включая персональные выставки в Музее современного искусства в Нью-Йорке (Museum of Modern Art) в 1975-м году и в Центре Помпиду в Париже (Centre Georges Pompidou) в 1977-м году. Милтон Глейзер много раз выставлялся в Италии. В 1991-м году итальянское правительство пригласило его курировать выставку в честь пятисотлетия итальянского художника Пьеро делла Франческа (Piero della Francesca). Выставка открылась в Ареццо и через год благодаря спонсорской поддержке Campari переехала в Милан. В 1994-м году у Глейзера состоялась выставка в его родном Колледже Купер-Юнион . В 1997-м году в Японии была представлена ретроспектива работ Push Pin Studios, которая включает в себя персональные работы Милтона Глейзера и других художников студии. Однако главная ретроспектива его работ была открыта в феврале 2000-го года в Венеции, в Фонде Бевилаква-Ла-Маса (Fondazione Bevilacqua La Masa).

Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.

Вклад в культуру

На протяжении карьеры Милтон Глейзер был удостоен многих наград, в том числе в 2004-м году он получил награду за значительный вклад в развитие современного дизайна от Национального музея дизайна (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

Вклад Глейзера в развитие графического дизайна огромен: для многих он является живым воплощением американского графического дизайна, редкий пример, сочетающий в себе глубокое интеллектуальное мышление с невероятным богатством визуального языка.

10 правил Милтона Глейзера

Работайте только с теми, кто вам нравится

У меня ушло много времени на то, чтобы сформулировать для себя это правило. Когда я начинал, думал наоборот, что профессионализм ― это умение работать с любыми клиентами. Но с годами стало понятно, что самый осмысленный и хороший дизайн был придуман для тех заказчиков, которые в последствии стали моими друзьями. Похоже, что симпатия в нашей работе гораздо важнее профессионализма.

Если у вас есть выбор, не устраивайтесь на работу

Однажды я услышал по радио интервью с замечательным композитором и философом Джоном Кейджем (John Milton Cage Jr.). Ему было тогда семьдесят пять лет. Ведущий спросил: «Как подготовиться к старости?» Я навсегда запомнил ответ Кейджа: «У меня есть один совет. Никогда не ходите на работу. Если в течение всей жизни вы каждый день ходите в офис, однажды вас выставят за дверь и отправят на пенсию. И тогда вы уж точно не будете готовы к старости ― она застанет вас врасплох. Посмотрите на меня. С двенадцати лет я каждый день делаю одно и то же: просыпаюсь и думаю, как заработать себе на кусок хлеба. Жизнь не изменилась после того, как я стал стариком».

Избегайте неприятных людей

Это продолжение первого правила. В 1960-х работал гештальт-терапевт по имени Фритц Перлс. Он предположил, что во всех отношениях люди либо отравляют жизнь друг друга, либо подпитывают ее. При этом все зависит не от человека, а от отношений. Знаете, есть простой способ проверить, как на вас влияет общением с кем-нибудь. Проведите с этим человеком некоторое время: поужинайте, прогуляйтесь или выпейте, пропустите по стаканчику. И обратите внимание на то, как вы будете чувствовать себя после этой встречи ― воодушевленным или уставшим. И все станет понятно.

Опыта недостаточно или почему хорошее враг выдающегося

Я уже говорил, что в молодости был одержим профессионализмом. На самом же деле опыт ― это еще одно ограничение. Если вам нужен хирург, вы, скорее всего, обратитесь к тому, кто делал именно эту операцию много раз. Вам не нужен человек, который намерен изобрести новый способ пользоваться скальпелем. Нет-нет, никаких экспериментов, пожалуйста, делайте все так, как вы делали это всегда и как делали до вас. В нашей работе все наоборот: хорош тот, кто не повторяет за собой и за другими. Хороший дизайнер хочет каждый раз пользоваться скальпелем по-новому или вообще решает вместо скальпеля использовать садовую лейку.

Меньше не всегда лучше

Все мы слышали выражение «лучше меньше да лучше». Это не совсем так. Одним прекрасным утром я проснулся и понял, что это, скорее всего, полная чушь. Оно, может быть, звучит неплохо, но в нашей области этот парадокс не имеет смысла. Вспомните персидские ковры, разве в их случае «меньше» было бы лучше? То же самое можно сказать о работах Гауди, стиле ар-нуво и о многом другом. Поэтому я сформулировал для себя новое правило: лучше, когда всего ровно столько, сколько нужно.

Не доверяйте стилям

Уверен, вы все видели иллюстрации Пикассо для «Неведомого шедевра» Бальзака. Он изобразил быка в двенадцати разных стилях: от натуралистичной манеры до абстракции в одну линию. В данном случае стиль ― понятие неактуальное. Глупо отдавать себя какому-то одному стилю, потому что ни один из них не заслуживает вас целиком. Для дизайнеров старой закалки это всегда было непросто, потому что с годами вырабатывается почерк и визуальный словарь. Но мода на стили опосредована экономическими показателями, то есть практически математикой ― с ней не поспоришь. Об этом писал еще Маркс. Поэтому каждые десять лет меняется стилистическая парадигма, и вещи начинают выглядеть иначе. То же самое происходит со шрифтами и графикой. Если вы планируете просуществовать в профессии больше одного десятилетия, очень рекомендую быть готовым к этой смене.

Образ жизни меняет образ мышления

Мозг ― самый чуткий орган нашего тела. Он наиболее подвержен изменениям и регенерации. Несколько лет назад в газетах мелькала любопытная история про поиски абсолютного слуха. Как известно, такой слух встречается редко даже среди музыкантов. Не знаю как, но ученые выяснили, что у людей с абсолютным слухом другое строение мозга: каким-то образом деформированы некоторые доли. Это само по себе интересно. Но потом они выяснили кое-что еще более поразительное: если детей четырех-пяти лет учить играть на скрипке, есть вероятность, что у кого-нибудь из них начнет меняться строение коры головного мозга и разовьется абсолютный слух. Я уверен, что рисование влияет на мозг не меньше, чем занятия музыкой. Но вместо слуха мы развиваем внимание. Человек, который рисует, обращает внимание на то, что происходит вокруг него ― а это не так просто, как кажется.

Сомнения лучше, чем уверенность

Все говорят, что уверенность в том, что ты делаешь, очень важна. Мой преподаватель по йоге как-то сказал: «Если вам кажется, что вы достигли просветления, вы всего лишь уперлись в собственные рамки». Это верно не только в духовной практике, но и в работе. Для меня все сформировавшиеся идеологические позиции ― сомнительны, потому что совершенство ― это бесконечное развитие. Я нервничаю, когда кто-то верит во что-то безапелляционно. Нужно подвергать сомнению все. У дизайнеров эта проблема появляется еще в художественной школе, где нас учат теории авангарда и тому, что личность может изменить мир. В каком-то смысле это правда, но чаще всего заканчивается сложностями с творческой самооценкой. Коммерческое сотрудничество с кем-то ― это всегда компромисс, и этому ни в коем случае нельзя сопротивляться. Всегда нужно допускать возможность, что ваш оппонент может быть прав. Пару лет назад я прочел у Айрис Мердок лучшее определение любви: «любовь ― это крайне сложное осознание того, что кто-то, кроме нас, реален». Это - гениально и описывает абсолютно любое сосуществования двух людей.

Это неважно

На прошлый день рождения мне подарили книгу Роджера Росенблатта «Старейте красиво» (Roger Rosenblatt, Rules for Aging). Название мне не понравилось, но содержание заинтересовало. Самое первое правило, предложенное автором, оказалось лучшим. Оно звучит так: «это неважно». Не важно, что вы думаете ― следуйте этому правилу и оно прибавит к вашей жизни десятилетия. Не важно, опаздываете вы или приходите вовремя, тут вы или там, промолчали вы или что-то сказали, умны вы или глупы. Не важно, какая у вас прическа и как на вас смотрят знакомые. Повысят ли вас на работе, купите ли вы новый дом, получите ли Нобелевскую премию ― все это неважно. Вот это мудрость!

Говорите правду

Иногда мне кажется, что дизайн не лучшее место для поисков правды. Безусловно, в нашем сообществе существует определенная этика, которая, кажется, где-то даже записана. Но в ней нет ни слова об отношениях дизайнера с обществом. Говорят, в СССР при Сталине все, что продавалось с этикеткой «телятина», на самом деле было курицей. С тех пор меня мучает вопрос, что же тогда продавалось под видом курицы? Дизайнеры несут не меньшую ответственность, чем мясники, поэтому они должны внимательно относится к тому, что продают людям под видом телятины. У врачей есть клятва: «Не навреди». Я считаю, что у дизайнеров тоже должна быть клятва: «Говори правду».